Cómo hacer una película independiente: consejos de quienes ya lo han conseguido

Brianna Lee (imagen superior) quería ser actriz, pero, como los papeles no llegaban, dejó de esperar a que alguien le ofreciera uno y empezó a escribir los suyos propios. Ese impulso de ponerse manos a la obra en lugar de esperar a que sonara el teléfono la llevó hasta el Festival de Cine de Raindance, donde estrenó su largometraje The Troll, un desenfrenado thriller psicológico rebosante de color sobre el lado más oscuro de las redes sociales. La película sigue la vida de una estrella del pop que acaba derrumbándose ante la presión insoportable de la fama y la crueldad en Internet.

Hacer una película independiente implica desarrollar una historia que puedas producir de forma realista, reunir un reparto y un equipo, fijar un presupuesto, conseguir financiación, planificar el rodaje y completar la posproducción. No es imprescindible estudiar en una escuela de cine ni disponer de un gran presupuesto, pero sí necesitas un buen plan de producción y colaboradores que te ayuden a llevarlo a cabo. Preguntamos a Brianna y a otros cineastas de éxito presentes en el Festival de Cine de Raindance de 2026 qué consejos darían a quienes quieren abrirse camino en el cine independiente. Estas son siete recomendaciones de quienes saben bien de qué hablan.

Para aquellos que no consigan dar el primer paso, Brianna, actriz, humorista y galardonada cineasta afincada en Nueva York, tiene un consejo: «No dejes que la perfección sea enemiga de lo bueno. Deja de darle tantas vueltas a tu proyecto y ponte manos a la obra. Empezar es lo más difícil, pero después todo lo demás se va resolviendo».

David Martínez, director ejecutivo del Festival de Cine de Raindance de 2026, cree que precisamente esa confianza es lo que distingue a quienes hacen películas de quienes solo hablan de hacerlas. «Si aspiras a ser cineasta, ya eres cineasta», afirma. Ese permiso que estás esperando no va a llegar: haz un plan y llévalo hasta el final.

Toda buena película parte de una historia capaz de atrapar al público. Piensa en su estructura, en el arco narrativo, en la tensión que se genera durante el desarrollo y en cómo acaba resolviéndose. Repasa tus películas favoritas y piensa qué hace que se te queden grabadas. Eso te ayudará a encontrar tu propia voz y a definir qué tipo de cine quieres hacer.

Bloodlust, una película de terror posapocalíptico del dúo australiano de guionistas, directores y productores Rupert Evans y Matt Michalik, que también se estrenó en el Festival de Cine de Raindance de 2026, contó con un equipo de tan solo cuatro personas. Se rodó en una única toma y el montaje se prolongó durante casi un año. La mayor parte del presupuesto se fue en sándwiches de queso y en gasolina. Como explica Matt: «Miras a tu alrededor, estés donde estés: tus amigos, tu familia, el equipo que tienes... y te das cuenta de que las mejores historias están ahí mismo». Esa capacidad para aprovechar lo que tenían a mano hizo que recurrieran a amigos y familiares siempre que podían y que rodaran en el bosque estatal de Wombat, en Victoria, donde no necesitaban solicitar permisos. En los créditos finales, sin embargo, quisieron dejar constancia de su reconocimiento a los pueblos indígenas tradicionalmente vinculados a esas tierras. Al no encontrar al protagonista que buscaban, convocaron un casting y así dieron con Liam Maloney, que estaba intentando abrirse camino como actor.

Los festivales de cine, los eventos y los encuentros del sector también son una buena ocasión para conocer a posibles colaboradores. David lo resume así: «Crear una red de contactos es muy importante y, si no se te da bien, lo mejor es que busques a alguien que pueda ayudarte. Al final, los contactos lo son todo».

Una escuela de cine ofrece formación reglada en todos los ámbitos de la creación cinematográfica, desde el diseño de sonido y la dirección de fotografía hasta la escritura de guiones. No obstante, no es la única opción. Aunque para algunas personas una escuela de cine sea el camino adecuado, también existen muchas posibilidades de formación a tiempo parcial e incluso talleres de cine independiente, como los que ofrece Raindance.

En el caso de los creadores de Bloodlust, fue precisamente en una escuela de cine donde se conocieron. «Si no hubiera sido por la escuela de cine, Bloodlust no existiría, porque Matt y yo nunca nos habríamos conocido. Sin embargo, hubo momentos en los que me pareció un entorno bastante cerrado y anticuado. Además, allí jamás nos habrían dejado hacer esta película», explica Rupert. Matt ya hacía películas mucho antes de recibir formación cinematográfica reglada: «Siempre estaba haciendo películas absurdas con amigos y con mi familia... Yo diría que esa fue mi verdadera escuela».

Brianna, en cambio, no pasó por una escuela de cine y adquirió experiencia directamente sobre el terreno. «Llevo casi dos décadas haciendo películas y nunca he asistido a una clase ni recibido una lección formal de cine... Lo aprendí todo por mi cuenta, desde rodar y montar hasta preparar listas de planos y dominar la terminología de un set de rodaje». Reconoce que esa mentalidad de actuar como si supieras lo que estás haciendo puede ayudar, «pero, cuando ya lo has hecho tantas veces, llega un momento en que ya no es necesario fingir», reflexiona.

Haris Zambarloukos, director de fotografía nominado a los BAFTA y al Oscar por películas como Thor y Asesinato en el Orient Express, estudió en el AFI, «la escuela más centrada en dirección de fotografía que conocía». Sin embargo, explica que su verdadera formación había comenzado mucho antes, en un laboratorio fotográfico, cuando tenía unos doce años. Para él, seguir aprendiendo depende menos de lo que puedan enseñarte en un aula y más de la curiosidad que te lleva a buscar por tu cuenta: «Te gusta un libro y lo lees, después buscas el anterior y luego el que leyó su autor. Así es como aprendes: vas tirando del hilo hacia atrás». En su caso, la formación académica y el aprendizaje autodidacta siempre fueron de la mano.

Uno de los mayores retos para cualquier cineasta independiente es conseguir el dinero necesario para poner en marcha un proyecto. Además del kit de cámara, hay que presupuestar localizaciones, desplazamientos, seguros, posproducción y, siempre que sea posible, la remuneración del reparto y del equipo.

Muchos cineastas recurren a plataformas de crowdfunding y utilizan las redes sociales para crear una comunidad y recabar apoyos. Otros buscan financiación de productoras, inversores privados y marcas como Canon Europe, que ofrece una beca para proyectos de vídeo destinada a nuevos talentos. Sin embargo, la competencia por conseguir financiación es enorme. Como explica Janay Boulos: «No hay suficiente financiación, ayudas ni apoyo para los cineastas».

Conseguir respaldo económico es solo una parte de la ecuación. También es fundamental trabajar con personas que compartan tu visión creativa. «Desde el principio decidimos que no íbamos a venderla a cualquier canal. Íbamos a elegir a nuestro socio y a la gente con la que queríamos trabajar», afirma Abd Alkader Habak, cocreador de Birds of War. Para muchos cineastas, conservar el control creativo puede ser tan valioso como conseguir la financiación.

Los directores de Bloodlust contaron con el apoyo de su entorno, aunque reconocen que financiaron la mayor parte de la película de su propio bolsillo. «El primer paso, y el más importante, es hacer balance de lo que ya tienes. Puede ser equipo, localizaciones, atrezo, habilidades especiales o incluso personal. Recortar gastos consiste, en realidad, en decidir dónde vas a invertir el dinero, la energía y la atención», explica Matt.

Las limitaciones obligan a tomar decisiones y, muchas veces, esas decisiones son mejores que las que tomarías si dispusieras de un presupuesto enorme. Brianna Lee tomó una serie de decisiones creativas que le permitieron contar una historia mucho más ambiciosa de lo que habría cabido esperar con su reducidísimo presupuesto. «Ya desde el principio decidí apoyarme en la interpretación y los diálogos, en lugar de recurrir a costosos elementos visuales. El universo de estrella del pop de la protagonista, Killa B, se sugería más que mostrarse, dejando que el público completara con su imaginación lo que no aparecía en pantalla».

Abd Alkader Habak tuvo que enfrentarse a unas limitaciones de otro calibre: no tenía formación reglada y debía rodar en una zona de conflicto en Siria. «Dependíamos casi por completo del sol y de la luz natural, en lugar de utilizar equipos profesionales de iluminación... Llegué a comprender muy bien cómo trabajar con la luz disponible y cómo puede utilizarse para moldear las emociones y la atmósfera de la imagen».

Ambos cineastas lograron convertir sus limitaciones en parte de la identidad de sus películas, en lugar de permitir que se convirtieran en un obstáculo que les impidiera llevarlas a cabo.

También hay que asumir que, para la mayoría, labrarse una carrera en el cine lleva años. Como dice David Martínez: «Todos hemos tenido otros trabajos para sacar esto adelante. No hay nada de lo que avergonzarse. La perseverancia es fundamental».

Hay algo en lo que parecen coincidir todos: es necesario desconectar del trabajo. Hacer cine implica jornadas interminables y resolver problemas constantemente. Es un trabajo que haces por pasión y del que cuesta mucho desconectar. Rupert Evans, de Bloodlust, admite: «No éramos conscientes del nivel de estrés que puede llegar a generar un rodaje. Llegamos a un punto de agotamiento mental que jamás habría creído posible... Lo que mejor me funciona para seguir adelante es saber cómo separar el trabajo de mi día a día. Cuando vuelvo a casa después de una jornada de rodaje, hago las últimas comprobaciones para el día siguiente y, después, dejo de pensar en la película. Leer, hacer ejercicio, escuchar música o cocinar son actividades que me ayudan a desconectar».

Para Matt Michalik, organizarse le sirve para mantener a raya la ansiedad: «El día antes del rodaje, preparo la mochila, limpio el coche, vuelvo a leer el guion... Creo que es importante tener pequeños alicientes que te ayuden a sobrellevar un día especialmente estresante o un reto concreto. Me centro en las cosas pequeñas, como tomarme un café o volver a escuchar una canción que últimamente no paro de poner. Es bueno ir comprobando cómo te sientes en cada momento, para no dejar nunca tu salud en un segundo plano».

Haris Zambarloukos es un firme defensor de todas esas aficiones que no tengan absolutamente nada que ver con el cine. En su caso, practica surf, una actividad que le obliga a utilizar todo el cuerpo y que supone justo lo contrario de pasar horas encorvado en una sala oscura ajustando los niveles de color.

Todos los cineastas coinciden en que nunca existe el momento perfecto para hacer una película ni el presupuesto ideal. Las películas que llegan al público son, sencillamente, las que llegan a hacerse. Janay Boulos recuerda que terminar Birds of War bajo la presión de los plazos se pareció más a dejarla marchar que a darla por acabada: «Sentía que estaba lanzando algo al mundo, que estaba perdiendo algo a lo que llevaba años aferrada». Sin embargo, una vez estrenada, cuenta que sintió que la película dejaba de ser solo suya: «Ahora que está ahí fuera, siento que tiene vida propia».


David Martínez ha visto triunfar a cientos de cineastas: «Cree en ti. Si de verdad lo crees aquí», dice señalándose la cabeza, «y aquí», señalándose el corazón, «lo harás realidad».